Spielzeit 2022 / 2023

Programm

»On early music« heisst das letzte Projekt von Francesco Tristano. In diesem Programm stellt er ein Repertoire der späten Renaissance und des Frühbarocks in einen zeitgenössischen Kontext. Es umfasst Werke von Girolamo Frescobaldi, Orlando Gibbons und Jan Pieterszoon Sweelinck im Wechsel mit Originalwerken Tristanos.

Francesco Tristano

Im Frühjahr 1928 besuchte der Komponist George Gershwin zum ersten Mal in Paris und traf sich mit einigen der angesehensten Komponisten der europäischen Moderne. Er traf zufällig auf Alban Berg – der zu diesem Zeitpunkt seine Reise in Richtung Dodekaphonismus begonnen hatte – und konnte einen leichten Minderwertigkeitskomplex nicht unterdrücken, als er mit einem seiner Idole konfrontiert wurde. Gershwin, der mit seinen populären Songs über Broadway-Theater hinweggefegt war, fühlte sich neben einem Revolutionär der europäischen Avantgarde weniger künstlerisch. Aber Berg fand einen Weg, ihn mit diesen Worten zu beruhigen: »Herr Gershwin, Musik ist Musik«. Das heißt, ob hochtrabend oder für die Massen, Musik ist Teil desselben Klangflusses: universell, eins und unteilbar.

Der in Luxemburg geborene Pianist Francesco Tristano könnte sich Bergs Aussage leicht zu eigen machen, da sie so klar und einfach seine eigenen musikalischen Bestrebungen als Komponist, Interpret und Produzent erklärt und gleichzeitig in Bereichen arbeitet, die so unterschiedlich wie komplementär sind. Tristano tourt durch die Welt mit barockem und zeitgenössischem Repertoire. Er nimmt Tanzstücke für elektronische Musiklabels auf und setzt sein ehrgeiziges Projekt fort, das gesamte Klavierrepertoire von Johann Sebastian Bach aufzunehmen und macht Alben aus seinen eigenen persönlichen Geschichten, in denen er die Sensibilität und den klanglichen Reichtum des Klaviers erforscht.

Gleichzeitig faszinieren ihn Bachs saubere Töne und der rhythmischen Puls des Techno. Sein Interesse gilt auch der komplexen Erforschung von Geräuschen, Effekten und Klangfarben von Komponisten wie Cage oder Ligeti. Ebenso wie die Notwendigkeit, seine eigene Vorstellungskraft durch Alben wie Idiosynkrasia (2010) oder die jüngsten Tokyo Stories (2019) zu erforschen. Dies geht auf seine Zeit als Student an der New Yorker Juilliard School zurück. Als Teil der eigensinnigen Fraktion von Studenten, die, nachdem sie ihren ganzen Tag damit verbracht hatten, über musiktheoretischen Lehrbüchern zu brüten und Klavier zu üben, die letzten ihrer wachen Stunden damit verbrachten, die Techno-Szene der Stadt zu durchforsten. So entdeckte er Detroits hypnotischsten Export, tanzte zu Danny Tenaglias legendären Sessions bei Twilo und verstand, dass elektronische Musik die Art von Ekstase hervorrief, die in seine eigene Vorstellung von Musik passte. Ein Ort ohne Barrieren von Stil und Zeit.

Während seiner Zeit an der Juilliard University legte Francesco den Grundstein für seine Ambitionen als Interpret von Bachs Musik: Er spielte und nahm die Klavierkonzerte mit seinem Ensemble ‚The New Bach Players‘ auf und nahm die Goldberg-Variationen selbst auf. Kurz darauf wurde er vom französischen Label Infiné unter Vertrag genommen, wo er seine ersten Platten veröffentlichte und die Electronica und Klavier mischten: Not for Piano (2007), wo er Versionen von Techno-Hymnen wie Jeff Mills' The Bells oder Derrick Mays Strings of Life auf dem Klavier schuf; Auricle Bio On (2008), wo das Klavier als Sampler konzipiert ist; und Idiosynkrasia (2010), in dem er nahtlos seine Virtuosität auf den Tasten und seine Programmierfähigkeiten verband und sein Konzept von »Piano 2.0« verfeinerte, wo das Instrument durch den Einsatz von Computern eine neue texturale Iteration erreicht.

Tristanos großer Sprung fand 2011 statt, als er von der Deutschen Grammophon unter Vertrag genommen wurde, mit der er drei Programme aufnahm, die von seinem Aufstieg zum Konzertpianisten von internationaler Anerkennung inspiriert waren. Das erste war Bach/Cage (2011) – eine Erkundung des Klangraums, in dem Johann Sebastian Bachs und John Cages Musik trotz einer Distanz von drei Jahrhunderten nebeneinander existierten: die Interpunktion von Emotionen, die Suche nach ungewöhnlichen Texturen, die überraschende Qualität des Serendipitous. Aufgenommen in den Detroiter Planet E Studios – einem Bezugspunkt für zeitgenössischen Techno – versuchte er für beide Komponisten (Bach/Cage) eine neue Klanghaftigkeit aus der akustischen Nutzung des Weltraums zu schaffen. Ein Jahr später kehrte er auf Long Walk (2012) zu Bach zurück. Ein weiteres Programm, in dem die Anekdote des jungen Komponisten auf einer 300 km langen Reise zu Fuß zum dänischen Organisten Dietrich Buxtehude als Ausrede diente, um vergessene Stücke Buxtehudes auszugraben und sie zum ersten Mal in der Geschichte auf dem Klavier zu spielen. Auf seiner dritten Platte für die Deutsche Grammophon - Scandale (2014) - die er mit Alice Sara Ott aufnahm, basierte das Programm auf Klavierinterpretationen von Stücken von Maurice Ravel, Nikolai Rimsky-Korsakov und Igor Strawinsky für Sergei Diághilevs legendäre (und manche würden sagen umstrittene) russische Ballette.

Scandale schloss mit Tristanos eigenem Stück »A Soft Shell Groove«, das zwei Momente zusammenbrachte, in denen Tanzmusik die Avantgarde war: die europäische Moderne um die Jahrhundertwende und die Geburt des Techno im Detroit der 1980er Jahre. Die Inspiration für diesen Track kam gleichzeitig von Strawinsky und Derrick May, mit denen er einige Jahre später an seinem Techno-Album Surface Tension (2016) zusammenarbeiten sollte. Es ist dieser transgressive, moderne Geist, der Tristano dazu gebracht hat, an rein tanzbaren Projekten wie ‚Aufgang‘ oder seinen Kollaborationen mit dem deutschen Label Get Physical zu arbeiten.

Im Jahr 2017 begann Francesco Tristano seine Zusammenarbeit mit Sony Classical und konzentrierte sich darauf, seine eigenen Arbeiten in einer neuen Phase als Aufnahmekünstler zu veröffentlichen. Während er immer noch sowohl als Pianist als auch als elektronischer Künstler um die Welt tourte und in Konzertsälen sowie auf experimentellen und Tanzmusikfestivals auftrat, kehrte er in Piano Circle Songs (2017), einer Sammlung von Liedern, die sein Interesse an französischen impressionistischen Komponisten weckten, zum Klavier zurück. In seinem jüngsten Album Tokyo Stories (2019) huldigt er Japan und fängt die Atmosphären und Erfahrungen ein, die er im Laufe der Jahre gesammelt hat, als er das Land als Künstler besucht und in seine Kultur eingetaucht ist.

Und doch, am Rande des Horizonts, nimmt Francesco Tristanos großes Lebensprojekt, das er nie aufgeben wird, weiter Gestalt an, Johann Sebastian Bachs gesamtes Repertoire aufzunehmen. Wie Berg sagte: »Musik ist Musik«, und Bach wird immer da sein, weil er der einzige Schöpfer war, der sie jemals transzendiert hat.

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Programm

Frédéric Chopin
Ballade Nr. 1 g-Moll, op. 23

Franz Liszt
Klaviersonate h-Moll

Sergej Rachmaninow
Prélude g-Moll, op. 23 Nr. 5

Mélodie Zhao
Solo Electroacoustic Set

Mélodie Zhao

Die gebürtige Schweizerin Mélodie Zhao hat sich als eine der talentiertesten und facettenreichsten Musikerinnen der neuen Generation etabliert. Als Klaviervirtuosin brach sie Weltrekorde, indem sie die Höhepunkte des Klavierrepertoires »Chopins 24 Etüden« mit dreizehn und »Beethovens komplette Klaviersonaten« mit neunzehn Jahren aufzeichnete.

Sie bricht weiterhin die Regeln - und das Eis zwischen Bühne und Publikum - mit ihren befreienden neuen Projekten, die sowohl in der klassischen als auch in der neuen Musikwelt Fuß fassen.

Mélodie Zhao ist seit ihrem 6. Lebensjahr an die Bühne gewöhnt. Sie spielte mit großen Orchestern wie dem Moskauer Tschaikowsky-Symphonium, dem Orchestre de la Suisse Romande, der Deutschen Radio Philharmonie, China National, dem Shanghai Philharmonic usw. Des Weiteren u. a. mit den Dirigenten Vladimir Fedoseyev, Howard Griffiths, Michail Jurowski, Gustav Kuhn, Muhai Tang. Sie hatte Auftritte in weltweit renommierten Konzertsälen wie Lincoln Center NYC, Tonhalle Zürich, NCPA Beijing, Victoria Hall Genf, Theater du Châtelet Paris, LAC Lugano und die Festivals von Meran, Budapest, New Ross, Gstaad, Palermo, Valldemossa, Tiroler Festspiele, Davos, um hier nur einige zu nennen.

Parallel dazu begann Mélodie Zhao mit 15 Jahren mit der musikalischen Komposition. Sie erhält regelmäßig Aufträge von Orchestern und Truppen wie dem Rudra Béjart Ballet oder der China National Opera. Sie hat einen sehr persönlichen und unverwechselbaren Stil und eine unverwechselbare Sprache. Außerdem erforscht sie Filmmusik in mehreren Kollaborationen. Zu ihren Werken gehören Kammer-, Orchester- und Religionsmusik sowie Soloklavierstücke, bei denen sie die Virtuosität oft auf ein herausforderndes Niveau bringt. Sie arbeitet regelmäßig mit der schwedischen Camerata Nordica zusammen, die mit ihr in speziellen Konzertprojekten auftritt, die Klassiker und Mélodies eigene Kompositionen und Arrangements kombinieren.

Sie dirigiert regelmäßig Orchester vom Klavier aus in vielen großen Klavierkonzerten (u. a. Chopin, Liszt, Beethoven, Schostakowitsch, Mozart) sowie in ihren eigenen Kompositionen.

Als Millennial ist Mélodie Zhao in den sozialen Netzwerken präsent und zeigt regelmäßig hochwertige Inhalte auf Plattformen wie YouTube und Instagram. Dazu gehören innovative und moderne Musikvideos, die unter anderem Mode, Kino, inspirierende Drehbücher und Bühnenbild kombinieren, sowie One-Shot- und Live-Videoaufnahmen. Ihr Ziel ist es, ein anderes Bild der klassischen Musik zu präsentieren, um mehr Menschen ihrer Generation zu erreichen, indem sie Wege nutzt, mit denen sie vertraut sind, und indem sie durch ihre Kunst kraftvolle Botschaften ausdrückt, die von unserer Zeit inspiriert sind.

Geboren in einer musikalischen Familie, verliebte sich Mélodie Zhao in das Klavier und begann mit dem Klavierspiel im Alter von zweieinhalb Jahren. Mit neun Jahren trat sie in das Genfer Musikkonservatorium ein, um bei Mayumi Kameda zu studieren, und mit dreizehn Jahren wechselte sie an die Genfer Musikuniversität, wo sie mit sechzehn Jahren den Solisten-Master-Abschluss mit Auszeichnung in der Klasse von Pascal Devoyon machte. Anschließend folgte sie ihrem Professor nach Berlin für ein zweites Masterstudium an der Universität der Künste.

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Programm

»In Time« erforscht die Geschichte der Musik aus einer neuen Perspektive und konzentriert sich darauf, wie Komponisten aus verschiedenen Epochen und mit unterschiedlichen Hintergründen ihre Stücke »groovend« gemacht haben.

Die Mitglieder von Five Sax, kommen alle aus einer anderen Ecke der Welt: Italien, Polen, USA, Chile und Hongkong, und als sie sich 2011 in Wien trafen, sprachen sie keine gemeinsame Sprache. In den vergangenen Jahren sahen Five Sax in der Musik eine starke verbindende Kraft, die kulturelle und ethnische Grenzen überwinden kann. Groove und Rhythmus in der Musik berühren eine tiefe, ursprüngliche Seite unserer menschlichen Natur und erinnern sie daran, dass sie viel mehr Gemeinsamkeiten haben als das Gegenteil.

Um diese Botschaft zu vermitteln, wählte Five Sax für das Programm einige der rhythmischsten und pulsierendsten Werke von Igor Stravinsky, Kurt Weill, Leonard Bernstein, Grażyna Bacewicz, Joseph Boulogne, Chick Corea und Astor Piazzolla – Komponisten mit den unterschiedlichsten Hintergründen und Identitäten.

Five Sax

Five Sax wurde 2011 in Wien gegründet und hat sich seither zu einem führenden Ensemble auf ihrem Gebiet entwickelt. Sie sind auf vielen der wichtigsten Bühnen der Welt aufgetreten, darunter im Wiener Konzerthaus, im Gasteig München, im Concertgebouw Amsterdam und in der National Concert Hall Taipei sowie bei Musikfestivals wie den Ludwigsburger Festspielen, Summerwinds Münsterland und dem Allegro Vivo Kammermusikfestival.

Die erste Bühnenshow des Quintetts, »Sax Voyage«, inspiriert vom internationalen Geist der Gruppe, führte das Quintett auf Konzertbühnen in 20 Ländern in Europa, Amerika und Asien. Seit dem Debüt der Show 2013 in Polen haben fast 200 Veranstaltungsorte »Sax Voyage« erlebt.

Während »Sax Voyage« das Publikum mit seiner Auseinandersetzung von internationalen Musikstilen begeisterte, verfolgt das nächste Programm des Quintetts nun einen neuen Ansatz. Unter dem Titel »In Time« erforscht die Show die Rolle, die Rhythmus und Groove in verschiedenen Momenten der Musikgeschichte gespielt haben. Five Sax war stolz darauf, die Uraufführung vor ausverkauftem Haus im Wiener Musikverein gespielt zu haben.

Im Jahr 2015 veröffentlichte das Quintett seine Debüt-CD »Five Sax at the Movies«. Die Aufnahme wurde weithin für ihre kreativen Arrangements klassischer Filmmusiken gelobt, und ihr Erfolg führte zu einem Spin-off-Programm für ein junges Publikum. Derzeit arbeiten sie an ihrem nächsten Projekt, das noch in diesem Jahr veröffentlicht werden soll.

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Programm

Claude Debussy
Préludes, Heft 1

Alexander Skrjabin
Klaviersonate Nr. 3, op. 23

Arno Babadschanjan
Polyphonic Sonata
Four Pieces: Preludes - Vagharshapat Dance - Impromptu - Capriccio

Jean-Paul Gasparian

Jean-Paul Gasparian hat gerade sein drittes Soloalbum für Evidence Classics veröffentlicht. Diese Aufnahme ist ganz Rachmaninow gewidmet, einem Komponisten, mit dem er seit vielen Jahren eine Wahlverwandtschaft hat. Im Jahr 2019 wurde die Veröffentlichung seines Chopin-Albums von der internationalen Presse begeistert begrüßt (»A Major Chopin Release« - International Piano Magazine, »A Highly Accomplished Chopinist« - BBC Music Magazine).

Im Februar 2020 wurde Gasparian bei den Sommets Musicaux de Gstaad mit dem Thierry-Scherz-Preis ausgezeichnet, der ihm die Möglichkeit bot, seine CD mit dem Berner Symphonieorchester für Claves Records aufzunehmen, darunter Rachmaninows Klavierkonzert Nr. 2 und Arno Babadjanians ‚Heroic Ballad‘ (erschienen im März 2022).

Wurde er für den icoires de la musique classique 2021 in der Kategorie »Offenbarungssolist« nominiert. Er spielte Mendelssohns Konzert Nr. 1 mit Nikolaj Szeps-Znaider und dem Orchestre National de Lyon beim Zeremonienkonzert, das live im französischen Nationalfernsehen übertragen wurde.

Er ist Sieger des Bremer Europawettbewerbs 2014 und war Preisträger bei vielen weiteren Wettbewerben. Er ist auch der Klavierpreisträger des Cziffra-Stiftungspreises 2015. Zudem erhielt er den 1. Philosophiepreis beim Concours Général des Lycéens de France (französischer nationaler Wettbewerb) im Jahr 2013.

Jean-Paul Gasparian spielte mit Orchestern wie dem Orchestre National d'Île-de-France, den Bremer Philharmonikern, der Robert-Schumann Philharmonie, der Nordwestdeutschen Philharmonie, dem Musikkollegium Winterthur, dem Serbian Radio-Television Orchestra, dem Montenegrin Symphonic Orchestra, dem National Chamber Orchestra of Armenia, dem Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia, dem Orchestre de chambre Nouvelle-Aquitaine, dem Orchestre de l'Opéra de Rouen, dem Orchestre de Normandie, Orchestre Symphonique de Caen mit Konzerten von Mozart, Beethoven, Chopin, Liszt, Mendelssohn, Saint-Saëns, Tschaikowsky, Rachmaninow und Gershwin.

Gasparian ersetzte auch in letzter Minute Christian Zacharias in Chemnitz (Deutschland) mit Mozarts 24. Konzert unter dem berühmten österreichischen Dirigenten Leopold Hager im Januar 2018.

Des Weiteren hat er Rezitale auf wichtigen Festivals gegeben, darunter: Festival de la Roque d'Anthéron, Nohant Festival Chopin, Piano aux Jacobins, Flâneries de Reims (live auf Medici.tv übertragen), Printemps des Arts de Monte-Carlo, Festival Radio-France de Montpellier, Festival de Menton, Kissinger Sommer Festival, Schleswig-Holstein Festival, Sommets Musicaux de Gstaad, Armenia International Music Festival. Ebenso in Veranstaltungsorten wie dem Salzburger Mozarteum, in der Glocke in Bremen, in Belgrads Kolarac, in der Tonhalle Zürich, in der Hamburger Laeiszhalle, der Salle Flagey in Brüssel, der Salle Molière in Lyon, dem Auditorium de l'Opéra de Bordeaux, der Louis Vuitton Foundation (live übertragen auf Radio Classique), der Maison de la Radio, der Salle Cortot und der Salle Gaveau in Paris.

Seine Schumann Second Sonata Live in Nohant 2015 ist zusammen mit Aldo Cicccolinis letztem Rezital als erstes Album des Nohant Festival Archives erschienen. Und das Classica Magazine hat Jean-Paul G. zu den zehn vielversprechendsten jungen Pianisten seiner Generation gezählt.

Jean-Paul Gasparian wurde 1995 in Paris geboren und studierte am Nationalen Konservatorium von Paris bei Olivier Gardon, Jacques Rouvier, Michel Beroff, Laurent Cabasso, Claire Désert und Michel Dalberto. Jean-Paul war Mitglied internationaler Klavier-Meisterkurse bei Elisso Virsaladze und Tatiana Zelikman, ausgewählt für die Verbier Academy 2014 und Preisträger der Salzburg Academy 2010. Im Jahr 2018 absolvierte er ein Gratuat am Royal College of Music in London (Artist Diploma) bei Prof. Vanessa Latarche.

Jean-Paul Gasparian wird von der Safran Stiftung für Musik unterstützt. Er ist ein Steinway-Künstler.

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Programm

Ferruccio Busoni
Chaconne d-Moll
5. Satz aus der Partita Nr. 2 für Violine von Johann Sebastian Bach, Transkription für Klavier

Robert Schumann
Fantasie C-Dur, op. 17

Maurice Ravel
Le tombeau de Couperin

Sergei Prokofjew
Klaviersonate Nr. 7 B-Dur, op. 83

Benjamin Grosvenor

Der britische Pianist Benjamin Grosvenor (Jahrgang 1992) ist international bekannt für seine klangvolle Lyrik und seine zurückhaltende Brillanz am Keyboard. Seine virtuosen Interpretationen werden von einer einzigartigen Balance aus technischer Meisterschaft und intensiver Musikalität untermauert. Benjamin G. gilt als einer der wichtigsten Pianisten, die seit mehreren Jahrzehnten aus Großbritannien hervorgegangen sind.

Als Pianist von großer internationaler Anerkennung war er in der Saison 2021/2022 Artist in Residence an der renommierten Wigmore Hall in London mit drei unterschiedlichen Projekten und ebenso in der vergangenen Saison bei Radio France und beim Bournemouth Symphony Orchestra. Seine »erstaunlichen technischen Gaben, die Frische seiner Phantasie, seine intensive Konzentration, das Fehlen jeglicher Art von Show und das unverwechselbare Gefühl des poetischen Eintauchens, das ausschließlich auf die Verwirklichung von Musik gerichtet ist«, wurden von der Süddeutschen Zeitung gelobt.

Zu den jüngsten Konzerthöhepunkten der Saison 2021/2022 zählen Engagements mit dem Chicago, Baltimore und Pittsburgh Symphony Orchestra, dem Philharmonia Orchestra, der Scottish Chamber, dem Hamburger Staatsorchester und dem City of Birmingham Symphony Orchestra. Benjamin G. arbeitet mit so angesehenen Dirigenten wie Semyon Bychkov, Riccardo Chailly, Sir Mark Elder, Kent Nagano, Alan Gilbert, Manfred Honeck, Vladimir Jurowski, François-Xavier Roth und Esa-Pekka Salonen zusammen.

In der kommenden Saison freut sich der Pianist auf die Rückkehr an das Théâtre des Champs Elysées Paris, den Münchner Herkulessaal, das Konzerthaus Berlin und den Palau de la Música Catalana, Barcelona. Er unternimmt auch eine ausgedehnte US-Rezital-Tournee mit Veranstaltungsorten wie etwa Philadelphia CMS und People's Symphony NYC. Er trat auch beim Chopin and his Europe Festival in Warschau, beim Montpellier Festival, im Barbican Centre, im Southbank Centre, im Kennedy Center in Washington, in der New Yorker Carnegie Hall und in der 92nd Street Y auf. Als begeisterte Kammermusiker arbeiten Hyeyoon Park, Tabea Zimmermann, Timothy Ridout, Benedict Kloeckner, Kian Soltani und das Doric String Quartet regelmäßig mit Benjamin Grosvenor zusammen. Er ist zudem Co-Artistic Director des Bromley and Beckenham International Music Festival, einer einzigartigen und lebendigen Veranstaltung für die lokale Gemeinschaft, die aus dem Wunsch heraus entstand, sich während der Covid-19-Pandemie wieder mit der Öffentlichkeit zu verbinden.

Im Jahr 2011 unterschrieb Benjamin G. bei Decca Classics und wurde damit der jüngste britische Musiker aller Zeiten und der erste britische Pianist seit fast 60 Jahren, der bei dem Label unterschrieb. Für sein zweites Konzertalbum mit Chopins Klavierkonzerten, das 2020 mit dem Royal Scottish National Orchestra unter der Leitung von Elim Chan aufgenommen wurde, erhielt er sowohl den Gramophone Concerto Award als auch einen Diapason d'Or de L'Année, wobei Diapasons Kritiker erklärte, dass die Aufnahme »eine Version ist, die zu den besten zählt, und eine Bestätigung eines außergewöhnlichen Künstlers«. Die Erneuerung der Decca-Aufnahmepartnerschaft Anfang 2021 fiel mit der Veröffentlichung von Benjamins neuestem Album Liszt zusammen, das sich um die Sonate des Komponisten in h-Moll drehte, die kürzlich für einen Gramophone Award nominiert wurde.

Während seiner sensationellen Karriere erhielt der Pianist den Gramophone's Young Artist of the Year und Instrumental Awards, einen Classic Brits Critics' Award, den UK Critics' Circle Award for Exceptional Young Talent und einen Diapason d'Or Jeune Talent Award. Er war in zwei BBC-Fernsehdokumentationen, BBC Breakfast und The Andrew Marr Show, sowie in der CNN-Serie Human to Hero zu sehen. Im Jahr 2016 wurde er der erste Empfänger des Ronnie and Lawrence Ackman Classical Piano Prize mit den New Yorker Philharmonikern.

Erstmals wurde er als herausragender Gewinner des Keyboard-Finales der BBC Young Musician Competition 2004 bekannt und eingeladen, mit dem BBC Symphony Orchestra bei der First Night der BBC Proms 2011 aufzutreten.

Als jüngster von fünf Brüdern begann Benjamin G. im Alter von sechs Jahren Klavier zu spielen. Er studierte an der Royal Academy of Music bei Christopher Elton und Daniel-Ben Pienaar, wo er 2012 mit der »Queen's Commendation for Excellence« abschloss und 2016 ein Fellowship der Institution erhielt. Er ist zudem Botschafter von Music Masters, einer Wohltätigkeitsorganisation, die sich dafür einsetzt, Musikunterricht für alle Kinder unabhängig von ihrem Hintergrund zugänglich zu machen und sich für Vielfalt und Inklusion einzusetzen.

»Er beherrscht die Bühne mit aristokratischer Leichtigkeit ... Herr Grosvenor lässt Sie vor Freude seufzen ... Ein Temperament, das in der Vergangenheit selten war, geschweige denn jetzt.«
- David Allen, Die New York Times

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